A punto de ser estrenada ya se puede ver el trailer de la "nueva"Funny Games. He tratado de encontrar declaraciones de Haneke sobre el tema. Nada. Lo único que se sabe es que se trata de un calco de la película de 1997. Que solo cambian los actores y la lengua original. La composición de los planos, su montaje, los decorados, la música, el texto, y demás elementos son los mismos. Lo que ya llaman un "shot to shot".
Un kinescopado de ideas propias.
Ya se formó cierta controversia con la puesta en escena de Psicosis por Gus Van Sant. Estos fenómenos casan muy bien con está época de directors´cut y restauraciones digitales. Nos movemos en esa fina línea que divide el homenaje del plagio o la devoción del saqueo.
Aquí se ve que la película de Haneke sirve de escrupuloso story board para su nueva película. Un story board que para sí lo quisiera Hitchcock. Más que a las palabras del director uno se queda a la espera de las reacciones de los actores ante esta forma de trabajar. Actores que aquí son más dobles que otra cosa. ¿Ensayaban con la película de 1997 de fondo?
O de cómo Marcel Duchamp en su persistente y metódica huida del tradicionalismo se alió con el azar.
1. Antes ya había renunciado a la mano. La mano del pintor era un arma de doble filo. Esa mano capaz de escalar nuevas cotas artísticas es la misma que puede anclarte al peso de la tradición. Hay que desaprender para seguir aprendiendo, suspiró Duchamp; y desde su más absoluto desprecio por el arte retiniano (cualquiera que se limite a pintar lo que ve es un estúpido) se decantó por el dibujo mecánico. El mecanicismo de un compás y la objetiva rectitud de la reglas, serían el trampolín por el que despedir al subjetivismo. No quería ser un autor; su mano no debía interrumpir sus pensamientos con vicios artísticos. Dice:
"El dibujo mecánico fue como una clausula de salvedad. Una línea recta trazada con una regla, no con la mano. Olvidarse de la mano por completo, esa era la idea... Cuando dibujas, hagas lo que hagas, tu gusto personal asoma de una manera inconsciente. Sin embargo en el dibujo mecánico te guía la impersonalidad de la regla... (...) Quería encontrar algo para escapar de la carcel de la tradición" **
Un arte pensado. No un arte ejecutado. ***
2. Pero el compás y la regla fueron solo un primer escalón. Se necesitaban más pasos, nuevas escapatorias. En 1913 tiene lugar lo que Duchamp considera "un primer gesto liberador del pasado". Ese año sería clave en su obra. Fue el año de "Trois estoppages etalons" (foto). En su creación conjuga el mecanicismo (todo el fondo rellenado de color) con un primer conato de azar posteuclidiano. Duchamp coge tres hilos y los corta en longitudes exactas de un metro. Posteriormente les deja caer sobre el lienzo. Y los pega.
El azar y la mátemática.
3. Breve reseña del Azar. El azar no era una técnica nueva. Tiene casi la misma edad que el arte. Aristoteles ya trató el maridaje Azar- Arte en su Metafísica, capítulo VII:
"Entre las cosas que devienen o llegan a ser, unas son producciones de la naturaleza, otras del arte, y otras del azar (...) Las demás producciones se llaman creaciones. Todas las creaciones son efecto de un arte, o de un poder, o del pensamiento. Algunas provienen también del azar, de la fortuna: éstas son, por decirlo así, producciones colaterales (...leer más)"
El pintor Protógenes tratando de plasmar la espuma que cerca la boca de un caballo optó por arrojar una esponja al equino. El rastro creado le sirvió para finiquitar el retrato. Leonardo animaba a los jóvenes artistas a observar las manchas u otras formaciones azarosas que forran las paredes, como privilegiado método que estimulara nuevas creaciones. El azar terminó sistematizandose, tipo Pollock y sus dripping technique. O camuflándose mediante el uso de drogas psicoactivas, pienso un poco en la escritura automática a lo kerouac, o en las grabaciones borroughsianas de los Beatles y George Martin. Sería un tema largo. El uso del azar en el arte. A bote pronto me quedo con la idea de rebuscar esas implicaciones en el cine. Si alguién se le ocurre algo mi mail está abierto.
4. Duchamp ...pero a diferencia de muchos otros artistas Duchamp utiliza el azar para escapar de la tradición. Para él el azar no es una forma de subirse al carro. Al contrario. Duchamp quiere bajarse. Pero el azar, como el uso de técnicas mecánicas, es solo un escalón en un camino que pretendía desbancar la idea visual y sustituirla por la idea intelectual.
El azar tenía sus contras. No dejaba nunca de ser una cuestión personal:
"Tú azar no es el mismo que el mío, ¿no? (....) Si echo los dados, mi tirada no será nunca igual que la tuya. De modo que un acto como echar los dados se convierte en una maravillosa expresión de tu subconsciente"
El azar duchampiano desembocó dos años más tarde***, en la concepción de sus primeros ready-made. Con él encontraba respuesta a su pregunta fundamental, aquella con la que pretendía dinamitar el arte contemporáneo: ¿Se pueden hacer obras de arte que no sean obras de "arte"?
* De Mallarme, " Un coup de dés jamais n'abolira le hasard"
** Está y las otras declaraciones duchampianas están extraidas de Duchamp (Calvin Tomkins/ anagrama)
*** Unas décadas más tarde Glenn Gould insiste en que la música no debería ser tocada. Solo aprendida. "Si la gente supiera música no se tendría que interpretar"
**** Ya en New York. "No me voy a New York, me marcho de Paris" dijo, certificando una nueva huida. Luego entro en detalles: "En París, en Europa, todos los jóvenes, sean de la generación que sean, actúan siempre como nietos de un puñado de grandes hombres (...) De Victor Hugo, en Francia, y, supongo, de Shakespeare en Inglaterra. No lo pueden evitar. Aunque no crean en ello, lo llevan metido dentro, de modo que cuando consiguen producir algo propio, hay una suerte de tradicionalismo que es indestructible. Todo eso aquí no existe. Shakespeare os importa un rabano ¿no? Tampoco sois sus nietos. Por eso éste es un territorio perfecto para nuevos progresos". Para acabar afirmando: "no habría que permitir que los muertos tuvieran mayor fuerza que los vivos".
Nueva sección. Sin que sirva de precedente dotaré de una poca coherencia a esta maldita bitácora. Siempre quisé tener uno de esos post en los que al final pones un link con un "antes en..." Así semana tras semana pondré una película. La idea es que sea una cinta que pueda verse desde internet. Ya sea directamente o via descarga.
Hace tiempo que el mejor cine se ve a través de Internet. Pronto la industria del cine estará en la misma situación que su hermana musical. Sitios como ubuweb, internet archives, stage6 o youtube han dinamitado la forma de ver películas. Si luego añadimos las descargas de Emule y similares la revolución está servida. Pero dejemos este tema para otra ocasión y vayamos con la película:
A COMMUNICATIONS PRIMER. (Charles & Ray Eames, 1953)
SOBRE LOS AUTORES: NO SON HERMANOS. Son un matrimonio. Digo esto porque parece ser que el pobre Charles se pasó la vida diciendo que no, que Ray no era su hermano... Hasta en wikipedia lo citan como una de sus frases célebres. Yo también pensaba que eran hermanos. Y tú.
Pero no. Los Eames fueron un matrimonio hiperactivo. Tocaban todos lo palos. Del diseño con sus famosas sillas pasaban a la arquitectura (la celebérrima Casa Eames). Unos renacentistas de la era postindustrial.
También hicieron muchas películas, algunas para explicar sus diseños y otras como meros encargos, filmes de carácter educativo que en sus manos se convertían en algo más.
Ya había visto su famosa The Power of ten. Que está bien. Me gustó y punto. Curiosa pero desapasionada. Demasiado cartesiana. Era un encargo de los de IBM.
SOBRE LA PELÍCULA: Me topé con ella de casualidad. Me andaba documentando sobre avances en la comunicación y sistemas inalámbricos de cara a la realización de un reportaje sobre un transmisor inalámbrico para guitarras. Cosas que uno tiene que hacer. El caso es que me acomodé en el buscador de Internet archives, apartado movin images, esperando encontrar material de archivo interesante. A Communications primer fue una joya inesperada en el camino.
La película describe con tono frío y neutro la teoría de Shannon. También llamada el Modelo Matemático de Shannon. En otras palabras más metafísicas: la influencia del ruido en nuestra vida. Qué es el ruido y cómo se presenta en nuestro día a día. Los módelos y teorías de Claude Shannon tuvieron una posterior influencia en la psicología cognitiva algo que ya trasluce la película de los Eames. Pienso por ejemplo en este texto que acompaña imágenes de personas anonimas (anonimadas) cruzandose la calle:
"It is communication that keeps a society together, and though these people seem unaware of each other's existence, neither looking nor speaking, one group meets and filters through the other with hardly two individuals coming in contact. So constant is the flow of information and so complex the web of communication that keeps them apart and holds them together.
La película se vertebra desde el un omnipresente off narrado por el propio Charles Eames. El sonido no está muy cuidado. Curiosamente se puede escuchar el ruido de una hoja pasando. Me encanta ese detalle. Como si fuera un prefacio al dogma. O como si quisiera dejarse la seriedad en las aulas de las universidades.
El tema puede interesar más o menos, pero es en el montaje dónde esta película se hace imprescindible. Resulta increíble cómo con una cantidad tal de materiales utilizados (stop motions, animaciones, gráfismos varios, timelapses, fotos...) se pueda parir una película tan bien explicada. Tan poco ruidosa. Porque ante todo los Eames hacen bien su tarea. Tienen que explicar un modelo matemático y lo hacen. No anteponen la autoria al objetivo pedagógico. Pero si que fuerzan las máquinas al límite. No por arriesgarse a desbordar al espectador dejan de dar información. Y está claridad expositiva se trenza desde una desbordante imaginación. Un minimalismo a la inversa. El más es menos gracias a la perfecta conjunción de todos los elementos icónicos.
Se ve la película a sabiendas que cada nueva frase de off será acompañada con una nueva ráfaga de ideas visuales. Uno de sus grandes logros es la de obligar al espectador a mantenerse áctivo. A ser lo que tiene que ser: un espectador (en el sentido menos debordiano posible).
Los Eames demuestran que el objetivo de un buen diseño -aquí diseño de montaje- es la simplicidad. No necesitas ser minimalista para ser nítido. No hay pues que tener miedo al ruido. Al ruido se le combate con diseño.
Por tanto la cuestión no es rebajar el flujo de información. La cuestión es cómo hacer de esa ingente cantidad de elementos un aparato libre de ruido. Libre en este caso de ruido visual.
La película se ve como un constante reto. Los Eames penden cual equilibristas en la fina línea que separa la información de la confusión. A communication Primer habla de la inevitable aparición de ruido en cualquier actividad humana sin que ese ruido aparezca en el filme.
Hay también otra página desde la que se supone que se ve la película. Yo no he podido, pero podría ser un problema puntual del servidor. La buena noticia es que tiene el guión dividido en secuencias. Es Aquí.
La película está en versión original, inglés, y no hay subtítulos al español. Con un inglés medio es suficiente, además se puede tirar del guión para posibles dudas. Una prueba de lo bien explicada que está la película es que posiblemente se entendería igualmente en checo.
Me manda Luke, el periodista mejor informado de Dublin, los datos sobre los vídeos de Belle And Sebastian. A saber:
El Dirty Dreams lo dirige Lance Bangs. También ha metido baza en vídeos de Pavement y Sonic Youth. Aquí su filmografía
Lazy Line Painter Jane es culpa de Karn David (que es la mujer de uno del grupo). Más información aca.
Por último Is it wicked not to care? parece que fue realizado por el grupo. Así lo dice está hiperinformada página que creo que consultaré muy a menudo desde hoy: www.director-file.com
Descubro también que Isobel dirige vídeos. Ha realizado Legal man y debutó en estos lares con la mítica Like dylan in the Movies. No hay rastro de este vídeo. Al menos en los lugares más comunes. No quiero que esto sea una consulta permanente pero si alguien sabe dónde localizar al señor dylan filmado por isobel pues eso, que me lo diga. Mientras dejo el Legal Man, que no es nada del otro mundo.
Antes de que Unvisionary clip se adelante -si no lo ha hecho ya- traigo una ración de video clips. No hace falta poner el vhs a grabar.
Los vídeos de Belle And Sebastian se pueden fumigar en dos etapas. Una, con Isobel Campbell ejerciendo de musa, y otra, la actual, dictada por su ausencia.
Estos vídeos son de la primera época. Cuando caminaban por los railes del indie, con el nada secreto (y por momentos parecía que posible) objetivo de ser los nuevos Smiths de finales de siglo. Son videos de estética despreocupada. Hijos de un free cinema más relajado. Si alguien sabe quién los dirige que por favor me mande un mail.
Ahora, con el detonante de la marcha/expulsión de Isobel sus clips viran al mainstream. Un poco como su música. Los vídeos se estandarizan. Muestran historias en las que salen todos bien maquillados, en decorados bien iluminados. Los tópicos del video músical. La banda tocando, el cantante hace posturas... Exagero pero son una verdadera pena y están en las antípodas de la frescura que los vídeos anteriores reflejaban.
Echando un ojo a los escasos videos de la carrera posterior de Isobel se ve que se llevó al director de los videos.
1. Dirty Dreams Number Two, del The Boy with the Arab Strap. Quizá su último gran albúm. Gran tema y grandes textos. "But it all fades into morning when you open your eyes..."
2. Lazy Line painter Jane. Del EP de mismo título (u homónimo como dicen por ahí). Mantiene la misma estética desmañada. Polaroids en movimiento. Colores preciosos.
3. Is it wicked not to care. También de The Boy with the arab strap. Última gran aparición vocal de Isobel. Su voz hipnotiza.
11NOVIEMBRE07 "¿por qué no quitan de una vez la S de Spain?"
Esto es un corta y pega de un texto de Hikikomori. En un breve parrafo describe muy bien el estado cultural de eso llamado España. Lo pongo en negrita, el párrafo, y dejo otros tantos tal cual por eso de poneros en situación.
En todo caso la situación al completo la podéis leeraquí.
(....)
10.
El instituto Cervantes es nuevo, muy nuevo, super nuevo. Y muy chic. Blanco casi todo, destacan los afanes rojos de los respaldos de las sillas, de algunas estanterías en la biblioteca y de la bandera española, que aunque no la he visto, en algún sitio debe de andar ondeando, tan nuestra.
La charla tiene lugar en un subsótano, en un paraninfo de paredes negras, sedosas, y patio de butacas colorista, lleno de cabezas conectadas a un traductor simultáneo.
En la mesa de ponencias estamos dos españoles y dos japoneses, y el director de la institución, que nos presenta brevemente. Tenemos nuestros nombres delante, en cartelitos blancos. Cuando uno tiene su nombre delante, en cartelitos blancos o de cualquier otro tipo, y se sabe nombrado para un público, es difícil, nuevamente, no creer que el mundo es maravilloso, y que uno tiene cosas muy brillantes que decir.
Hablan, hablo, hablamos. Yo digo lo primero que se me ocurre, que siempre es lo mejor que se me puede ocurrir. En realidad una japonesa nos hace preguntas y las vamos respondiendo, así que no hay posibilidad de discurso previo. Mientras hablo, acaricio con las yemas de los dedos la base del micrófono, y de vez en cuando miro hacia la parte alta del paraninfo, donde no hay caras sino una oscuridad que creo que me entiende.
Digo, entre otras cosas, que España no es un país de vanguardia. La pregunta era: ¿Qué movimientos de vanguardia se están llevando ahora a cabo en España? Algo así. La respuesta: en España no se está llevando a cabo ningún movimiento de vanguardia porque España no es un país a la vanguardia de nada, ni ha sido nunca un país a la vanguardia de nada, porque España es un país de seguidismo intelectual y copia buena, mala o regular, donde nadie hace nada original a no ser que lo haya visto hacer en Francia o Nueva York; en España, el artista, el intelectual y hasta el panadero nacen con un techo profesional no bajo, pero sí mucho más bajo que el techo de un panadero de París o un artista o intelectual de Viena; el techo de que nunca harán nada de vanguardia que le importe nada a nadie fuera de España; en España, primero vemos y luego hacemos como que estamos a la vanguardia; incluso para insultar, para provocar, para sacar coños en las películas, primero tenemos que ver que alguien lo ha hecho fuera, y luego ya entonces sí lo hacemos en España. España es un país que, la verdad, vale poquito. Opino.
Se oyen rumores.
11.
Me pagan 400 euros por decir que España es un país que, la verdad, vale poquito.
Luego hay un cóctel.(...)
Observación Nº1: Me gustan mucho las acotaciones cuasibukowskianas. Ese "Luego hay un coctel" o el anterior "Se oyen rumores".
Observación Nº2: Cada vez me alegro más por no tener una herramienta de comentarios en este blog. Sería tan deprimente contar estas cosas y que los lectores/comentaristas/tertulianos virtuales... no se les ocurriera más que preguntar si se follo o no a la tal Esther...
Obviamente hay que leer un poco más para entender esta observación.
Observación Nº3: Al grano. España se averguenza del arte. El artista es un apestado. Un vago y maleante. Aquí el verdadero arte es matar animales a espadazos o tirándolos desde cobardes campanarios. El artista es sospechoso de no querer ser como los demás. Y eso es el peor pecado posible.
Aquí, al artista se le ignora olímpicamente. Pongamos por caso a Erice. Ojeen blogs de fuera de España y verán la cantidad de personas que tienen a Erice en sus podios de grandes artistas contemporáneos. Aquí lo único que recibe son las cortapisas de todo productor andante. Si hace 20 años se hubiera ido a Francia no habría perdido tanto el tiempo.
Emigrar es la respuesta.
Observación Nº4: Los artistas españoles solo pueden crecer en el destierro. Gracias al exilio (ya sea político, mental o laboral). El artista español empieza a ser algo en el momento que huye de España. Picasso en Francia, Buñuel en Mexico y también en Francia; país, por cierto, muy dado a reciclar lo despreciado.
Nacer en España es el verdadero pecado original.
Aquí un artista no es hijo de su tiempo, es hijo de la pura casualidad. Un disparate a punto de ser apedreado. Una mala rama a la que arrancar.
Sal corriendo antes de que te vean.
Observación Nº5: necesitamos un Bernhard o un Cioran que despotriquen a gusto contra todo esto. Mientras tanto están los libros de Alberto HIKIKOMORI Olmos.
Es el título del documental de Zaván que ponen mañana domingo en la Filmoteca. En uno de esas esporádicos pases de video de la sala dos.
La cinta documenta una hora en la vida de Madrid. De las doce de la mañana a la una del mediodía, ocho cámaras que parten de un mismo punto se dispersan por la ciudad y la miran y registran hasta que las cintas mini-dv le dejen. Una hora y un poquito más.
El conjunto ofrece un panorama de ruido y estres. Uno piensa que las 12 de un día de diario no pueden ofrecer demasiado. A simple vista una mañana más, una colección de habitos más. Lo que uno no imagina es el caos que todas estas repeticiones provocan.
Sorprende el uso del sonido directo de las cámaras (mini dv´s domésticas).
La película puede herir las sensibilidades de espectadores acostumbrados a las bandas sonoras filtradas y cuidadosamente ecualizadas. Y su escucha es un toque de atención para un ciudadano acostumbrado a las obras, a los pitidos de los coches, a los gritos, a las discusiones eternas. Todos esos ruidos que no solemos notar andando por la ciudad.
Anestesiados ante el caos cotidiano.
Fui una de esas ocho miradas. Durante una hora grabé lo que ví e intuí sentado en la moto de Bárbara (que, por cierto, no aparece en los créditos que hojeo por Internet y fue la mejor steadycam imaginable).
Su autor, Zaván, estará en la proyección, así que si veis que alguien toma la palabra antes de la proyección no se trata de un espontáneo. Es un director (no le disparéis salvo que sea necesario)
Os dejó unos cuantos links sobre la película: 1 / 2 más el trailer que hay colgado en el omnipresente youtube.
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