19NOVIEMBRE07 Movie of the week (I): A COMMUNICATIONS PRIMER
Nueva sección. Sin que sirva de precedente dotaré de una poca coherencia a esta maldita bitácora. Siempre quisé tener uno de esos post en los que al final pones un link con un "antes en..." Así semana tras semana pondré una película. La idea es que sea una cinta que pueda verse desde internet. Ya sea directamente o via descarga.
Hace tiempo que el mejor cine se ve a través de Internet. Pronto la industria del cine estará en la misma situación que su hermana musical. Sitios como ubuweb, internet archives, stage6 o youtube han dinamitado la forma de ver películas. Si luego añadimos las descargas de Emule y similares la revolución está servida. Pero dejemos este tema para otra ocasión y vayamos con la película:
A COMMUNICATIONS PRIMER. (Charles & Ray Eames, 1953)
SOBRE LOS AUTORES: NO SON HERMANOS. Son matrimonio. Y lo digo porque parece ser que el pobre Charles se pasó la vida diciendo que no, que Ray no era su hermano... Hasta en wikipedia lo citan como una de sus frases célebres. Yo también pensaba que eran hermanos. Y tú.
Pero no. Los Eames fueron un matrimonio hiperactivo. Tocaban todos lo palos. Del diseño con sus famosas sillas pasaban a la arquitectura (la celebérrima Casa Eames). Unos renacentistas de la era postindustrial.
También hicieron muchas películas, algunas para explicar sus diseños y otras como meros encargos, filmes de carácter educativo que en sus manos se convertían en algo más. Había visto su famosa The Power of ten. Está bien. Me gustó y punto. Curiosa pero desapasionada. Demasiado cartesiana. Era un encargo de los de IBM.
SOBRE LA PELÍCULA: Me topé con ella de casualidad. Me andaba documentando sobre avances en la comunicación y sistemas inalámbricos de cara a la realización de un reportaje sobre un transmisor inalámbrico para guitarras... Cosas que uno tiene que hacer. El caso es que me acomodé en el buscador de Internet archives, apartado movin images, esperando encontrar material de archivo interesante. A Communications primer fue una joya inesperada en el camino.
La película describe con tono frío y neutro la teoría de Shannon. También llamada el Modelo Matemático de Shannon. En otras palabras más metafísicas: la influencia del ruido en nuestra vida. Qué es y cómo se presenta en nuestro día a día. Los módelos y teorías de Claude Shannon tuvieron una posterior influencia en la psicología cognitiva algo que ya trasluce la película de los Eames. Pienso por ejemplo en este texto que acompaña imágenes de personas anonimas (anonimadas) cruzandose la calle:
"It is communication that keeps a society together, and though these people seem unaware of each other's existence, neither looking nor speaking, one group meets and filters through the other with hardly two individuals coming in contact. So constant is the flow of information and so complex the web of communication that keeps them apart and holds them together.
La película se vertebra desde el un omnipresente off narrado por el propio Charles Eames. El sonido no está muy cuidado. Curiosamente se puede escuchar el ruido de una hoja pasando. Me encanta ese detalle. Como si fuera un prefacio al dogma. O como si quisiera dejarse la seriedad en las aulas de las universidades.
El tema puede interesar más o menos, pero es en el montaje dónde esta película se hace imprescindible. Resulta increíble cómo con una cantidad tal de materiales utilizados (stop motions, animaciones, gráfismos varios, timelapses, fotos...) se pueda parir una película tan bien explicada. Tan poco ruidosa. Porque ante todo los Eames hacen bien su tarea. Tienen que explicar un modelo matemático y lo hacen. No anteponen la autoria al objetivo pedagógico. Pero si que fuerzan las máquinas al límite. No por arriesgarse a desbordar al espectador dejan de dar información. Y está claridad expositiva se trenza desde una desbordante imaginación. Un minimalismo a la inversa. El más es menos gracias a la perfecta conjunción de todos los elementos icónicos.
Se ve la película a sabiendas que cada nueva frase de off será acompañada con una nueva ráfaga de ideas visuales. Uno de sus grandes logros es la de obligar al espectador a mantenerse áctivo. A ser lo que tiene que ser: un espectador (en el sentido menos debordiano posible).
Los Eames demuestran que el objetivo de un buen diseño -aquí diseño de montaje- es la simplicidad. No necesitas ser minimalista para ser nítido. No hay pues que tener miedo al ruido. Al ruido se le combate con diseño.
Por tanto la cuestión no es rebajar el flujo de información. La cuestión es cómo hacer de esa ingente cantidad de elementos un aparato libre de ruido. Libre en este caso de ruido visual.
La película se ve como un constante reto. Los Eames penden cual equilibristas en la fina línea que separa la información de la confusión. A communication Primer habla de la inevitable aparición de ruido en cualquier actividad humana sin que ese ruido aparezca en el filme.
Hay también otra página desde la que se supone que se ve la película. Yo no he podido, pero podría ser un problema puntual del servidor. La bueno es que tiene el guión dividido en secuencias. Es Aquí.
Está en versión original, inglés, y no hay subtítulos al español. Con un inglés medio es suficiente, además se puede tirar del guión para posibles dudas. Una prueba de lo bien explicada que está la película es que posiblemente se entendería igualmente en checo.
02DICIEMBRE07 Movie of the week (II): DECOMPOSED CARNIVAL
01- Llevo varios días rumiando el asunto del azar en el cine. Así que la película escogida viene muy bien. Se trata de una película anónima, y lo más destacado: involuntaria. Casual. Para ser más rotundos: es una película que nace gracias a que muere.
Como las torres gemelas o los escritores mediocres, que ganan una barbaridad muertos.
Su gestación se inicia en su descomposición.
02-DECOMPOSED CARNIVAL.
La película se descarga AQUÍ. Lo mismo que la peli anterior: la puedes ver en flash comprimida desde la página o descargartela. 9 de cada 10 internautas recomiendan la descarga y el esquirol que evita el pleno es dentista y se niega a recomendar colgate. Es ligera, 150 megas. En menos de una hora está en tu disco duro.
Dos fotogramas (por supuesto al azar)
03- El film parte de una insipida home movie. Un día en los coches de choque. El tiempo, y posiblemente un garaje con mala ventilación, agrió el celuloide acelerando su descomposición. 44 años más tarde fue encontrada. Por tanto: ¿Cual es la fecha de la película: cuando se rodó y se dejó olvidada / o cuando se rescató descompuesta?
La película no habla de nada. Solo brinda testimónio del efecto que el tiempo puede tener sobre el material cinematográfico. Es sólo una película bella. Una bella casualidad. Podría ser horrible. Y a mucha gente le puede parecer horrible. Es una subjetiva y bella casualidad.
04- Su carácter casual impide que pertenezca a ningún movimiento. Pero sí remite al found footage, también bautizado cine encontrado, también llamado cine reciclado... o cine reinterpretado. Elijan nombre, yo me quedo con "encontrado".
Las películas encontradas son, en su versión más purista, los ready-made del cine. Es el artista el que decide que lo que tiene entre manos no es una película de los Harris de San Diego sino otra cosa. El enfoque, su contextualización, es decisiva. Un proceso intelectual reinterpretador.
El cine de reciclaje es un árbol hiper ramificado. Su única premisa es partir de un material ajeno, por tanto sus posibilidades son infinitas. No se trata solo de coger una película vieja, deleitarse del tiempo marcado en el celuloide, y abastecerse de metáforas (la muerte del cine / "oíga, es que no somos nadie...") El cine encontrado es sobretodo un cine reinterpretado. Un cine que exprime nuevas miradas al pasado. Generalmente críticas de estereotipos que para verguenza de muchos el cine salvaguarda entre sus rollos olvidados. Es un cine que reescribe la historia. También es un tema demasiado largo que post a post iré tocando. Otro día.
05- VOLVAMOS AL AZAR. Cuando lanzo el tema del azar no pretendo hablar de la manida improvisación. Con azar hablo de algo casi prohibido en el cine, algo vetado desde luego en el industrial/comercial; Me refiero a despedirse de la planificación y optar porque un proceso no pactado dirija la película.
Por tanto no es que Casavettes deje la cámara grabando y a sus personajes les ocurre algo positivable. Eso sería un reconducido y programado azar pasajero. O que Buñuel sorprenda a Fernando Rey con una bolsa de patatas o mentando su horrible aliento a ajo... O que a Lynch no le dejen hacer la serie Mulholland Drive y ésta termine, tras inflamarla con algunas secuencias adicionales, como largometraje. Eso es un accidente. O si nos ponemos una putada.
Trato de encontrar ejemplos del azar como proceso cinematográfico productivo. Que de principio a fin sea el gestor principal de la película. ¿es posible el azar en el cine?
06- Un pintor puede recurrir al azar. La fotografía está repleta de azares. Fotos involuntarias que hasta su revelado o su descarga al disco duro no ofrecían ninguna certeza.
Del cine sólo encuentro briznas de azar. Por ejemplo: El film Zapruder. Una de las secuencias más famosas de la historia audiovisual se funda en lo improbable. Pocas veces -por ahora se pueden contar con los dedos de una mano-, le vuelan los sesos al presidente de los Estados Unidos en directo. Obviamente el señor Zapruder no se lo esperaba. La irrupción de lo inesperado hace de un simple noticiario algo más.
07- Decía el actualmente nada azaroso De Palma que en sus primeras películas trataba de capturar el rayo en la botella. Había que plantarse y esperar (¡metódicamente!) a que el azar apareciera y ese soñado rayo se colara en la fina botella. Lo que se llamaría el cine "buscado".
Pero esto solo nos situa ante una forma de trabajar en la que el azar está aceptado. Ni se le expulsa ni se le considera enemigo natural. Si el día nos sale lluvioso el cineasta se adapta al tiempo. Como diría Picasso: QUE EL AZAR NOS PILLE TRABAJANDO..
El azar en su versión más pulcra sobrevive en ciertos documentales, en algún esqueje entre documento y ficción y en subgeneros como el citado cine "encontrado". Pero siempre será complicado que el azar no termine sistematizandose. El cine es un arte burocratizado, repleto de escalones y de aduanas que ahogan la espontanéidad. El azar no puede conducirse por innumerables personas. La burocracia de un rodaje es el antídoto letal a ideas libres, a ideas "surgidas en tiempo real"
Por tanto es imprescindible una producción ligera. El azar es propia del cineasta que en soledad coge su cámara sin que ningún productor se lo planifique. Grabar y grabar -boceto tras boceto- esperando ese rayo en la botella o a un Oswald rebanando los sesos del presidente de los Estados Unidos.
Y luego embotellarlo. O no. Dejarlo envejecer como vino en barrica. Hasta que su muerte sea el inicio de una gran película.
04FEBRERO08 Movie of the week (III): Some-Yoyo Stuff: Don VanVliet
01- La excusa, siempre hay una excusa, es hablar de artistas desorientados. Todos aquellos que no se contentan con obrar en una disciplina. Adorables transfugas del arte. En este caso y para ir cerrando tal ventanal concentraremos la mirada en los fotografos cineastas. En futuras entregas serán escritores que ofician el cine, pintores que cambian la brocha por la cámara... y todos los innumerables etceteras que ya de pensarlo me producen vértigo.
02-Some-Yoyo-Stuff: Don-Van-Vliet.(Anton Corbijn, 1993; 13´)
La película ESTA AQUÍ. La puedes ver desde la página (no demasiado mal) o descárgartela.
Ligera, 85 megas. Para que luego digas. En menos de una hora está en tu disco duro.
Algunas capturas:
03- Al señor Anton Corbijn, entre foto y foto del señor Bono, le encargaron retratar al señor Don Von Vlet, más conocido, -o mejor dicho- más desconocido, como Captain Beefheart. Hizo las fotos, se hicieron tilín, y años más tarde, con el mecenazgo de la BBC, decidieron parir este extraño biopic. Porque la película tiene un indudable aire marciano. Principalmente por el inmortalizado.
04- Captain Beefheart es considerado el icono oficial del rock dadaista. Junto a Frank Zappa, productor de sus primeros discos, llevó la escena rock a terrenos del absurdo nunca antes transitados. Letras surrealistas, influencias del free jazz, incorporación de capas ruidistas y una puesta en escena propia del teatro experimental cocinan un inimitable coctel musical.
Su actitud anticomercial tuvo éxito. No vendió una mierda. Some-Yoyo-Stuff fotografia a un artista de culto en retirada. Ha cambiado el micrófono por los pinceles y los cinceles. Es un artista desorientado. Escondido de la mirada del público. Probablemente asqueado.
Con anuncios promocionales como el que sigue, no es de extrañar su nula comercialidad. Lo curioso es que este anuncio fue prohibido. "Demasiado artístico". O vete tú a saber...
PRIMERA LISTA: Fotografos que cogen la cámara de cine. Listado con nulo sentido enciclopédico: Paul Strand, Moholy-Nagy, Man Ray, Joris Ivens, ¿Marker?, Robert Frank, William Klein, Depardon... De forma un tanto rebotada pienso que Muybridge es también un fotógrafo que hizo cine. Quizá el caso más notable. Y Kubrick, que mientras preparaba su asalto al cinematógrafo trabajó de fotógrafo. Abajo un melancólico ejemplo.
05- La película. Para añadir más grados a esta atmósfera bizarra aparece en escena David Lynch, que con tal compañía parece una persona normal (es aterrador verle tan cómodo en este ambiente, estoy seguro que si le vieramos en plano de cuerpo entero saldría en zapatillas de dormir). El propio Captain Beefheart recuerda, en su dicción, a los personajes lynchianos. Con ese dialogar extremadamente lento, con pronunciaciones alargadas. Naif y perturbador.
Las apariciones del señor Lynch tienen lugar en una omnipresente proyección del fondo (ver capturas). La proyección hace las veces de contraplano. Es una inteligente forma de saltarse el tópico de la entrevista plano-contraplano (como esas entrevistas del señor Punset). La pantalla interroga al Capitán mencionando diversas etapas creativas o inquiriendo en su actual forma de vida. Estéticamente permite que Corbijn use mucho el desenfoque (ver este vídeo de Nirvana realizado el mismo año) optando por dejar a Beefheart fuera de foco mientras es la pantalla la que dirige el cotarro.
Veo la película y creo que los muchachos de la hora chanante tendrían que considerarla un precedente de sus también bastante dadaistas celebrities (especialmente el momento qué dice "I am just combing my hair"). En algunos momentos parece realmente una muchachada.
El film tiene el sello Corbijn. Es decir: un contrastado blanco y negro muy dado a lucirlo en ambientes desérticos (la fámosa foto del Joshua Tree por citar una), aliñado con resquicios de expresionismo un tanto amanerados, o quizá glamourizados.
Y a los aspectos formales se añade su obsesión por la música y el papel del rock star. Uno se imagina a Corbijn, en su Holanda natal, de quinceañero, viendo actuaciones de Joy Division, e imitando los movimientos epilécticos de Ian Curtis frente a un espejo de baño. Como no serían convincentes optaría por la fotografía, igual que muchos otros acaban en la crítica, o de grupies canaperos.
De las fotos pasó de forma natural a los video clips. VER / VER
Y finalmente al cine:
06- Control. Ian Curtis y sus míticos Joy Division. Tenía miedo de esta película. Al final no le sale mal. Lo primero que diría es que es muy académica; que no se sale nunca de los renglones del biopic clásico, subtipo artista doliente a lo Modigliani. Supongo que a quien no le interese la música le dará lo mismo está película. Sigue apostando por su clásico blanco y negro. Y repite los travellings en un coche. Y las luces fuertes. Y se permite alguna que otra horterada fotográfica que para un principiante sería un éxito y para él deberia ser una verguenza.
Sorprende el poco papel que tiene la creación musical en el film. Da la sensación de que las canciones de Joy Division nacen por osmosis, o por la sagrada concepción (¿Se dice así? Lo de la Virgen María, me refiero).
Dato de trivial: El actor que interpreta (mimetiza) a Ian Curtis es
Sam Riley. Sam Riley aparecía brevemente en 24 hours party people (M. Winterbotton) interpretando (mimetizando) al solista de The Fall. En un momento de Control, a Ian le da uno de sus famosos ataques epilécticos en pleno concierto. Rápidamente se lo llevan al camerino. Allí, sofocado el ataque, comienza a recuperar el aliento. Su manager se acerca y le pregunta qué tal esta. Él, confuso y con la depresión acechándole, más o menos le dice que todo es una mierda. A lo que el manager contesta que todo podría ser peor, "que podría ser el cantante de The Fall".
SEGUNDA LISTA a desmigar en un futuro cercano. El contraplano. Cineastas que se pasan a la foto fija. Pienso en Saura, en las polaroids de Tarkovski, en los cruces de carretera de Wim Wenders, en Denis Hopper... No mucho más. Pido ayuda para cubrir huecos y ausencias.
07- ESTE MOVIE OF THE WEEK es un desastre. No hace más que abrir puertas que la duración de un post no puede permitirse. Así que en las siguientes semanas apareceran varios artículos sobre el tema. Lo llamaré Fotografos del pánico. Me gusta el título. Y podremos hablar con más tranquilidad sobre cada uno de estos personajes. Ayer ví una de las películas de Depardon y me apetece entrar más en su filmografía. Y cada uno de los otros personajes merecen mucho más espacio que compartir uno renglones con la película de Anton.
La realidad es que es el señor Corbijn el que menos espacio merece. Supongo que ha tenido suerte de que me topara con él en la imprescindible ubuweb.
Lo dicho: si alguien me amplia la lista de cineastas fotografos y viceversa se lo agradezco.
25ABRIL08 Movie of the week (IV): 21-87 o el Payaso que se escapó del circo.
01-La película: 21-87Arthur Lipsset (1963).
Se descarga desde ubuweb, mis dealers preferidos. AQUÍ. Lo mismo que digo siempre: la puedes ver en flash comprimida desde la página o descargárla. Es mejor descargarla, la calidad, el buffer, bla, bla, bla.....
Son 90 megas. Si tarda más de 20 minutos en bajar llama a tu compañía proveedora de internet. Te están estafando. Mejor lláma. Llama de todas formas. Te están estafando y no sabes las risas que les provocas cuando reinicias el ordenador.
También está por youtube. Pero merece la pena verla en mejor calidad. Al final del post dejo una lista con todas las fuentes posibles de placer lipsettiano.
21-87 Arthur Li,psett 1964
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Yo, Arthur Lipsett he desarrollado una fobia al sonido de cinta magnética. Además, my creatividad en el campo del cine ha desaparecido. No hay modo de explicar esto y el resultado es que no puedo continuar trabajando para el gobierno.Sinceramente, Arthur Lipsett (1)
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02- Con este conciso memorandum se despide Arthur Lipsett (1936-1986) del que fue su útero cinematográfico. La National Film Board of Canada, institución desde dónde crea la mayor parte de su breve filmografía. Las fobias, las obsesiones, un creciente malestar con la vida empezaban a aflorar en el cineasta. Despojado de su labor creativa no tardó en despedirse de la vida por esa via rápida llamada suicidio.
03- La obra es siempre espejo del artista. El humano esculpido fime a filme por Lipsett forma parte de una turba indecisa, desenfocada y despistada. El arte de Lipsett es el desesperado intento por arreglar este desorden. Una intrépida terapia fallida. Necesaria, pero abocada al fracaso. Ese humano filmado y editado no es otro que el propio Lipsett. Es su propio infierno maquillado en recortes de archivos documentales. Los personajes lipsettianos están demasiado preocupados por la existencia. Por su status frente a la masa. Yo contra ellos. Ellos contra mí. Yo contra mí.... Cómo ganar esas batallas inaplazables del día a día....
Probablemente la única opción es hacerse el ciego o el sueco. O no actuar. No preveerlo. No hacer. Nada.
04- El humano según Lipsett: Demasiado inteligente para creer en dioses; demasiado espirituales para reducir todo a la verdad científica. Son payasos sin red. O como perfectamente titula Lois Siegel en su artículo sobre el cineasta canadiense: Payasos fuera del circo.
21-87 Arthur Li,psett 1964
05- Año 1964, se cumplían 25 tacos de la NFB, época de apretones de brazos, velas sopladas, palmaditas y discursos. Uno de ellos viene del padre de la criatura: el afamado documentalista John Grierson que lanza está indirecta:
Me ha llamado ultimamente la atención que la NFB está empezando a ser infiltrada de "artistoides" que utilizan las instalaciones y sus archivos para sus propios objetivos personales"(2)
Por supuesto Arthur Lipsett, y en menor medida, Norman Mclaren sabían a quién iban dirigidas esas palabras. Ellos eran esos peligrosos artistoides que hacían peligrar la ortodoxa producción propagandística de la NFB.
06- Su filmografía se inicia con Very nice, Very nice (1961) que es nominado al oscar en la categoría de mejor cortometraje documental. Cuenta 25 años y parece el principio de una exitosa carrera. Kubrick, -Mr Stanley- muy impresionado con el film le pide que por favor se encargue del trailer para su nueva película Dr Strangelove... Lipsett rechaza la oferta sumándose en el selecto grupo de valientes que dijo NO a Mr Stanley.(3)
Prefiere seguir haciendo sus pequeñas películas artísticas en el NFB.
07- Very nice, Very nice deja ya evidentes huellas de su obra. La influencia clara de los movimientos dada; el gusto por el collage; el reciclaje visual y sonoro; la constante divergencia y diálogo entre audio e imagen; El predominio del sentimiento frente al argumento. Una contextualización de dobles o triples sentidos. Un sentido rítmico cercano a la improvisación del jazz. El uso casi nunca diegético de la banda sonora... Maneras que configuran la marca de autor. Eslabones de un nuevo lenguaje cuyo primer objetivo es deconstruir (desnudar) el formato del reportaje propagandístico. A fin de cuentas Grierson tenía razón. Lipsett no hace otra cosa que subvertir el genero de propaganda. Sus películas son antipropaganda humana. Si el genero humano necesita una teletienda constante para venderse, Lipsett es el antimarketing que anuncia cuan poco vale el genero humano. La radiografía de una devaluación metafísica.
21-87 Arthur Li,psett 1964
Teje sus filmes con lentitud y cierta nocturnidad. Son filmes innecesarios (artistoides) Atemporales. Caras "b" de una gran productora más pendiente de sus filmes de propaganda o de las genialidades de un genio mejor amamantado como fue Malcom Mclaren(4). Entre tanta incomprensión Lipsett se siente libre. No tiene plazos para sus proyectos ya que nadie esperas sus proyectos.
Al igual que una obra es el espejo del alma del cineasta, su forma de crearlas es otra fotografía fija a tener en cuenta. Lipsett se hace famoso en el NFB como el equivalente a la rata de biblioteca. Pasa noches enteras a la busqueda de sonidos diversos, repasando descartes de documentales añejos. Buscando incansablemente las tomas falsas de la humanidad. Esos momentos o instantes decisivos (Cartier Bresson) del día a día.
08- Sus filmes son el mejor puente posible entre el documentalismo y el cine experimental. Ambas disciplinas tienen una historia muy cercana, repleta de feedbacks y polinizaciones. El documentalismo de Vertov es reivindicado por el experimentalismo, así como popes del experimentalismo como Mekas son referente inmediato de cineastas documentalistas. Lipsett está en el punto medio. Un punto desconocido (está en la baldosa Bressoniana (5)) De alma vanguardista y cerebro documentalista.
Sobre las relaciones tensas pero ciertas entre el documental y el campo experimental, escuchemos a Amos Vogel:
"Teníamos una audiencia que prefería el documental y la no ficción, el cine realista; y teníamos un público que prefería la vanguardia y el experimental. Había momentos en que el grupo afin al documental me preguntaba ¿Por qué pasas estás películas de vanguardia? (...) En el otro extremo, los vanguardistas me decían, ¿por qué muestras estos documentales? Son equivocos. El realismo no existe" (6)
09- Lipsett era un analfabeto de la vida. Su único vocabulario se reducía a la creación fílmica. Compañeros en la NFB admiten que nunca sabían de qué iban los proyectos de Lipsett hasta que estos se materializaban. Era incapaz de expresar sus ideas en otra forma que no fuera el montaje cinematográfico. Recuerda a Dalí (por favor vean esté vídeo vía metraje encontrado), que ni sabía siquiera pedirse una copa, que si no le sacaban la entrada para el cine se quedaba fuera. Completos inútiles de la cotidianeidad; pero pílotos de máxima fiabilidad en las arenas movedizas del arte. También recuerda inevitablemente a Glenn Gould, personaje con el que comparte un buen catálogo de fobias.
10- Acercamiento a un método lipsettiano.
Lipsett dejó muchos escritos; garabatos dónde iba describiendo sus filmes. Borradores con los que aclarar el camino. Para 21-87 escribe a Kit Carson:
Cada plano tiende a tener su propia realidad; juntando muchos planos aislados los cuales tienen cada uno su propia realidad, emergera una realidad que tiene la simbólica característica de representar una situación de multiples realidades como puede ser la conciencia (o inconsciencia) de la colectividad humana" (7)
Como vemos no busca objetivos fáciles. Lo metafísico ante todo. Una forma de actuar visionaria, un tanto enfermiza, a lo William Blake. Nos explica no solo su objetivo sino su método. Que se podría resumir como una actualización del montaje eisenstiano. La clásica idea expresada por el ruso mediante los ideogramas chinos. Piedra+pequeño = arena. En Lipsett las piedras son el humano, lo pequeño es el día a día; y el resultante de la arena se sustituye por la conciencia (o inconsciencia) de la civilización. El A+B=C. Solo que en sus manos la C puede ser también D, y F, y H... depende del espectador.
Las películas de Arthur Lipsett no son estrictamente documentales ni son estrictamente found footage (8). No son estrictas. A pesar de su metafísica atemporalidad nos dan una lectura muy clara de su época, de los miedos, de la guerra fría, de los latidos jazz, del estallido de los medios de comunicación, del progreso cientfico, de las bombas atómicas y las vacunas... Son una lectura crítica de los documentales másticados. Si éstos se configuran desde la linealidad narrativa de las imágenes y de la banda sonora (un narrador omniesciente o un narrador dentro del encuadre), en las obras del autor de Fluxes se abortan estas explicaciones (al igual que se cortan los hilos conductistas de las marionetas). Las voces y los sonidos pierden linealidad; pueden ser repetitivas a modo de mantras, o aparecer por sorpresa, sin pautar, como notas dispersas inteligentemente revueltas. Las imágenes tampoco disponen de la red de las narrativas convencionales. A menudo huerfanas, parecen atender más a los sentimientos que a los argumentos. Son trozos fílmicos insustanciales de documentales de serie B. Imagenes descartadas que vuelven a tener la oportunidad de mostrarse, esta vez libres de un off explicativo. Una nueva placenta, una nueva oportunidad de expresarse como son o como no pudieron ser. Marionetas que necesitan nuevos hilos.
EPILOGO: He terminado hablando muy poco sobre su suicidio. Y me alegro. Su suicidio no merece estorbar su obra. Aunque hay una obviedad latente: Uno no reacciona igual ante la obra de alguien sabiendo que se suicidó. El suicidio en el arte es un gran tema. En Lipsett habría que hablar más bien de eutanasia. Su caso se acerca más al pintor que pierde la vista y con su creatividad amputada decide irse. Es el gran problema del artista, algo que ningún sindicato podrá solucionar: lLa inexistencia de la jubilación en el arte. El artista no tiene vacaciones.
¿Cómo descansar de uno mismo?
El suicidio de Lipsett no nace, y podría pensarse por la escasa repercusión de su arte, de la incomprensión. No es un puñetazo contra el mundo (bastantes dio ya en sus películas) No. Lipsett parece razonablemente feliz creando a pequeña escala. Sin presiones de un público demandante. Su caso no es el de un Kennedy O Toole rechazado por las editoriales, ni el de un Pavese resentido. Simplemente decidió largarse del circo cuando vio que no podía seguir haciendo su espectaculo.
Filmografía Online. Lo que he podido encontrar en Internet. Si alguien sabe de algo más que por favor me cuente. Y cualquier opinión sobre sus películas es bienvenida.
Very Nice, very nice (1961):
Free Fall (1964) YOUTUBE A trip down memory lane (1965) UBUWEB / YOUTUBE 1 Y 2 Fluxes (1968) UBUWEB Filmografía completa, via IMBD.
1 "I, Arthur Lipsett have developed a phobia of sound tape. Also, my creative ability in the film field has dissapeared [sic]. There is no way to explain this and the result is that I cannot continue to work for the government. Sincerely, Arthur Lipsett"
2- It has come to my attention recently that the Film Board more and more is becoming infiltrated with 'arty-tarty' types who intend to use the facilities which it offers for their own private purposes." John Grierson
3- Aquí podeís ver el trailer de "Dr.Strangelove or how i learned to love the bomb and stop worryng" Finalmente encargado a Pablo Ferro. El resultado es bastante lipsettiano.
4 En Free Fall Lipsett toma prestada la cámara de animación de McClaren para rodar fotogramas sueltos de insectos y hojas de árboles.
5. Leer (o recordar) el Diccionario de cine de Fernando Trueba para entender esto.
6- Recogido de Cine Directo: reflexiones en torno a un concepto. Editado por María Luisa Ortega y Noemi García. (Cap: Cine directo y New American Cinema; Encuentros y desencuentros/ Elena Oroz)
7- Each shot tends to have its own reality: by joining many obviosusly isolated shots each havieng their own reality situation tends to emerge which has the ability simbolically represents a larger multi-reality situation such as the collective conciousness (or unconciouness) of a civilitation
8- También grababa material original, tanto imágenes como sonidos. Esto quizas es lo que más les diferencia de recicladores de su çépoca como Conner o Vanderbeek.
